Michael Pisaro / Taku Sugimoto - 2 seconds / b minor / wave (erst 061)

'2 seconds / b minor / wave' is a collaboration CD by the two composers/guitarists Michael Pisaro and Taku Sugimoto who had never worked together before, composed and recorded separately in the summer and autumn of 2010. The CD consists of three 20-minute tracks: '2 seconds', 'b minor' and 'wave', each based on one of the three keywords 'pulse', 'pitch' and 'wave' that Pisaro and Sugimoto had decided beforehand. After they finished recording each part, both parts were superimposed on each other and mastered by Pisaro.

'2 seconds' consists of their two pieces composed with pulses, pauses, frequencies and timings of various sound materials in intervals of 2 seconds or multiples of 2 seconds as the basis. Sugimoto makes simple sounds with some common household items (like striking clappers, hand clap, metronome, alarm sounds, pencil sharpener or coffee bean grinder, from my guess) to create rather acoustic, detached tones with a constant regular rhythm. Pisaro plays a wide range of tones and frequencies of electric guitar and electronic devices, in various lengths of sounds and silences that seem to be based on multiples of 2 seconds, with more flexible, fluent rhythms than Sugimoto. There is a strong contrast between Sugimoto's coolness using the solid sounds in linear rhythm and Pisaro' warmth using rather soft and round textures of sounds in a more elastic rhythm. While their sounds cross each other without melding and continually sustain a spatial boundary in between, there is almost a miraculous balance between the two sharply distinctive flows of sounds, which brings a mystic nuance and sense of harmony to the whole piece.

'b minor' originates from the pitch both musicians chose together as a theme. Here, Pisaro composed and played a melody, and Sugimoto composed and played chord progressions, both based on b minor. While Pisaro plays a soft, pure electric guitar sound note by note in a long interval in slow motion, as if trying to stretch time and space, Sugimoto plays his chords on acoustic guitar quietly with a feel of retreating into a small private space. Pisaro's sounds evoke in me the distant light from stars reaching within a clear dark sky, while Sugimoto's sounds evoke in me some fragments of a philosopher's quiet inner self-talk. The contrast between their textures of sounds gives different dimensions to this piece at the same time – with Pisaro's sounds turning outward and broadening the world while Sugimoto's sounds turning inward to the small universe of his inner self. This contrast brings a unique sense of space and depth in this piece.

Sugimoto's guitar sounds are notable here – his simple and straightforward guitar chord progressions based on b minor is touching. However, it is not his emotional attachment or sentiment that will move listeners. The reason why Sugimoto's guitar sounds here will touch listeners' hearts is because he lets the sounds and chords appear in the purest forms – sounds as sound, chords as chords – not as his personal statement or expression of ego. In this track, Sugimoto seems to play each chord with an innocent mindset like a boy who is fascinated with the guitar and playing the instrument for the first time, carefully listening to each chord to enjoy and cherish the pure sound in every detail – a mindset which most grown-ups seem to have forgotten. Instead of depending on frills such as technique, personal statement or showmanship, he presents a complex and rich world of guitar sounds that is born from a chord and its progression, eliminating any elements that may cloud the purity of the sounds. Careful listeners will notice the pureness and the depth of the sounds here, with glimpses when his chord and a silence overlap. Sugimoto adheres to his humble approach throughout this piece, staying behind the chords, as a transparent medium to let the chords be born as they are. It is this humility that touches a listener's heart with a fresh surprise, together with the pureness of the sounds and chords which are made the focus by his modest approach.

In 'wave', each musician chose free sound materials from anything associated with the word wave, such as ocean waves, sine waves and sound waves, and again composed their parts entirely separately. The result of this juxtaposition is quite different from the previous two. While Sugimoto plays quiet, continuous drone sounds that evoke the sounds of an organ, Pisaro repeatedly inserts his field recordings of ocean waves. The contrast between Sugimoto's stillness and Pisaro's motion works beautifully. The sound of ocean waves seems to me to be a symbolic representation of the distance between the two musicians – Pisaro and Sugimoto, who had been working on this collaboration from across the Pacific, relying on the spiritual bond with each other. Pisaro's field recordings of ocean waves also let me visualize the images of the winds blowing over the sea between the two continents. The waves wash over repeatedly as if he were trying to communicate with his distant collaborator Sugimoto who is on the other side of the Pacific, trying to build a bridge between two artists who are standing in different positions not only physically, but also musically. The two distinctive worlds of Pisaro and Sugimoto, that have been interacting without fusing throughout the first two pieces, have finally integrated into one world in this track. At the moment when the two worlds fuse completely, the music ends with a crisp cut.

Despite having never worked together in the past, and even though each part was composed and recorded separately, in the end their parts synched with each other perfectly in incredible harmony from start to finish. Their deep understanding, respect and faith in each other's artistic strength and musicality brought this duo collaboration to a miraculous balance beyond their physical distance, and that must be the main reason for the success of this duo. Pisaro's mixing and mastering work, which bonded two musicians' sounds close to create an intimacy, is also remarkable. This is a completely new world of music - different from either Pisaro's past works or Sugimoto's - that could only have been born from the encounter of these two fantastic, unique individuals.

Having rather different musicality and directions, both Pisaro and Sugimoto seem to stick to one common attitude in this collaboration – pursuing the absolute purity of sounds and chords as often seen in many Wandelweiser pieces. In order to let a sound and a chord be as genuine as possible, both of the musicians have tried to restrain their personal egos as composers and performers as much as possible. This is a beautiful album in which you can observe the pure souls of two composers/musicians, devotedly concentrating their minds with humble attitudes for the sake of the birth of music.

■ Michael Pisaro / Taku Sugimoto - 2 seconds / b minor / wave (erst 061)

2010年夏から秋にかけて制作された、共に作曲家・ギタリストのマイケル・ピサロと杉本拓の初コラボレーション作品。３つのトラックから成るこのCDは、事前にピサロと杉本が打ち合わせて決めた３つのテーマ、「パルス（2 seconds）」、「音程（b minor）」、「波（ wave）」をキーワードに、２人が別々に作曲した20分間ずつの３つのトラックを最終的に重ね合わせた作品だ。

「２秒」というパルスをテーマにした１曲目では、２秒あるいは２秒の倍数を基本とした拍子や間、周波数、タイミングが取り入れられている。淡々とした一定のリズムでアコースティックな質感の音（拍子木、手拍子、アラーム音、鉛筆削り機のような音等）を投じていく杉本に対し、ピサロはエレキギターと電子音で、２秒というより２秒の倍数を思わせるゆるやかなリズムを多く取り入れ、様々な音程や長さ、周波数の音を投じていく。直線的なリズムと硬質な質感を貫く杉本と、フレキシブルなリズムと丸く柔らかな質感を生むピサロという２人の「冷」と「暖」といった対照的な音が、異なる質感を保ちながら一つに溶け合うことなく立体的に交差し、神秘的なニュアンスで調和を生みつつ見事なバランスを保っているのが興味深い。

音程（pitch）をテーマにした２曲目は、２人が事前に選んだ「b minor」を基本として、ピサロが旋律を作曲演奏し、杉本が和音（ハーモニー）を作曲演奏している。時間と空間を引き延ばすような、ゆったりした大きなスパンでギターの音を投じていくピサロと、一カ所に留まり、自分を取り囲む小さな空間の奥行きを隅々まで見せるようにギターを弾く杉本とのコントラストが、この曲に独特のスペース感を生んでいる。澄んだ夜空で瞬く星の光を思わせるピサロの単音と、哲学者の心のつぶやきの断片を思わせる杉本のギター音は、「外界へ向かおうとする力」と「内面へ向かおうとする力」という相反する方向性を保ちつつ、この曲にユニークな広がりと深みを与えている

ここでの杉本は、Bマイナーを基調とした和音展開で、心にしみ入るような素朴でシンプルなギターの演奏を聴かせている。しかし、この杉本のギター演奏が心を打つ理由は、決して演奏者の感情的な高ぶりや感傷がもたらす力が作用しているからではない。杉本の演奏が心を打つのは、音が音として、和音が和音として、演奏者の自我から離れた独立した存在として生まれ、音そのものの、あるいは和音そのもののピュアな響きを放っているからである。このトラックでの杉本は、生まれて初めてギターの和音に魅入られた少年のような素直さで、自分が演奏する一つ一つの和音にじっと耳を澄ませ、そのハーモニーが生む純粋な響きの世界を慈しむように演奏している。テクニックや自己主張や虚勢といった付加物に頼ることなく、そうした要素を一切排除した形で、音と和音そのものの響きとその連鎖が生むハーモニーの複雑で豊かな世界を提示している。注意深いリスナーなら、ここでの杉本の一つ一つの音と和音が放つ純粋な響きと、それらの和音と静寂が重なり合う瞬間に垣間見せる世界の深さに気づくだろう。杉本はこの曲で、作曲者・演奏者としての自我を音に付着させることはなく、あくまでも音と和音を生み出す透明な媒体として、音楽の背後に控えるという謙虚な姿勢を貫いている。この杉本の「音と和音を送り出す媒介者」としての謙虚なあり方が、それによって強調される音と和音自体の純粋な響きと相まって、聴き手の心を新鮮な感動で満たすのだろう。

波（wave）をテーマにした３曲目は、波に関するあらゆるもの（実際の海の波、音の波、サイン波など）の中から各々が自由な素材を選んで作曲した作品だ。ここでは、１曲目と２曲目の作風とはがらりと代わり、ピサロは波の音のフィールドレコーディングを取り入れている。オルガンの音を彷彿させる杉本の持続的な静かなドローン音の上に、ピサロが繰り返し挿入する波の音のフィールドレコーディングは、太平洋をはさんだ２つの離れた場所で、精神的な繋がりを頼りに共演を行うピサロと杉本の距離を補う、架け橋を象徴しているように思われる。静的な杉本の音と、動的なピサロの音とのコントラストが印象的だ。太平洋をはさんで陸と陸の間を行き来する風と波を思わせるピサロのフィールドレコーディング音は、海の向こうにいる杉本に語りかけ、遠く離れた場所に立つ２人（物理的な距離だけでなく音楽的な距離においても）の間に架け橋を渡そうとするかのように、繰り返し打ち寄せる。１曲目と２曲目を通して、異なる個性を交差させてきたピサロと杉本の２つの世界が、ここで一つに出会い、融合した瞬間に、音楽はぴたりと終わる。このエンディングの歯切れのよさが素晴らしい。

過去に共演経験はなく、別々の場所で別々に作曲し、演奏・録音したにも関わらず、２人のパートを貫く呼吸は、冒頭から終わりまで、驚くほどぴたりと合っている。いわば、物理的な意味での共同作業ではないにも関わらず、テレパシーのように遠くから互いを理解し合う精神的な交流が実を結んだ成功作ともいえる。作品の根底に、共演する相手とその音楽性に対する互いの深い尊敬と信頼、理解があり、それがこのデュオ作品に奇跡的ともいえる融合とバランスをもたらしたのだろう。最終的に２人のパートを重ね合わる作業を行ったピサロによるミキシングとマスタリングも素晴らしく、両者の共演が、あたかも一つの有機体となって動いていくような親密さを生んでいる。ピサロの過去の作品とも、杉本の過去の作品とも違う、２つの個性の出会いから生まれた全く新しい音楽世界の誕生だ。

それぞれに異なる音楽性と方向性を持ちながらも、ヴァンデルヴァイサー派に代表されるような「音」の限りない純粋性を目指す２人のコラボレーションには、音を音として、和音を和音として、その純粋な響きを備えたまま生まれさせるために、その背後に付着しがちな作曲者や演奏者の自我をぎりぎりまで抑制しようとする共通の真摯な姿勢が見られる。音楽の誕生の前に、謙虚な姿勢で心を集中させる２人の作曲家・演奏家の「音」に対する純粋な思いが見えてくるような美しい作品だ。